In un elegante libro fotografico in bianco e nero si restituisce gli anni Ottanta di Londra dove nacque il movimento New Romantic.

Poursuite è un editore francese specializzato in fotografia e argomenti correlati che ha prodotto questo affascinante volumetto di cui oggi vi voglio parlare.
“Blitz Club Blitz Kids è un’elegante raccolta di immagini scattate durante il 1980 dal fotografo Homer Sykes dai cosiddetti Blitz Kids nel famoso club di Covent Garden chiamato Blitz Club.
Il Blitz Club era il luogo dove Steve Strange, un’artista camaleontico, seguiva la religione del Duca Bianco (aka David Bowie) e imponeva il suo personalissimo dictat di selezione al suo stranissimo ed originalissimo pubblico. Una volta entrati al Blitz Club, culla dell’eccesso, le libertà regnavano supreme e le inibizioni erano morte e sepolte a favore di nuove calde e controverse esperienze. La storia narra che celebrità di quegli anni, Boy George, Rusty Egan, Princess Julia, Billy Idol e David Bowie su tutti, erano parte integrante del locale stesso che in poco tempo da fenomeno stilistico divenne vero e proprio manifesto di una generazione stanca della cultura punk troppo aggressiva e alla ricerca di un nuovo e più sofisticato culto estetico.
Infatti, negli anni ’70 la Gran Bretagna era ancora nel mezzo della depressione economica con una settimana lavorativa di tre giorni a causa di una disoccupazione ancora in forte aumento.
Steve Strange, un giovane imprenditore gallese, era arrivato a Londra, e si stava facendo un nome per l’organizzazione di concerti di gruppi punk. Collaborando con l’amico e batterista Rusty Eagan, si iniziarono a far conoscere nei club organizzando le cosiddette Bowie Nights, quasi sempre di martedì sera in un seminterrato sotto un bordello di Soho. Nel 1979 abbandonarono quel luogo angusto per trasferirsi in un wine bar senza troppe pretese a Covent Garden. Un locale decorato con i manifesti della Seconda Guerra Mondiale e una fotografia del primo ministro Winston Churchill. Nei loro martedì mentre Rusty faceva il DJ, Steve imponeva una severa politica di selezione all’ingresso facendo entrare solo quello che lui definiva “strano e meraviglioso”. Per darvi un’idea, uno come Mick Jagger è stato più e più volte bloccato.
Il Blitz Club iniziava a fare notizia.
Era frequentato da molti studenti di moda che erano stufi del genere punk e volevano esprimersi in modo diverso, molti in un modo molto più androgino, ambiguo, provocante. Il Blitz Club fu un banco di prova per le loro idee sulla nuova estetica, sul design e sulla moda facendo diventare questo nuovo look famoso con il nome di New Romantic.
Il libro, di 32 pagine scritte in inglese e francese, in un bianco e nero senza dubbio elegante, ricercato e privo di fronzoli, restituisce alla perfezione il clima e lo spirito dell’epoca.
Ottima testimonianza, ottimo esempio di ricostruzione di un periodo fra i più innovativi degli anni Ottanta. E’ possibile acquistarlo qui.

L’arte della macchina da scrivere toglie il significato alle parole e lascia il piacere agli occhi

L’amata macchina da scrivere continua a non mollare, a resistere anche quando tutto e tutti sembrano averla abbandonata. La sua bellezza estetica, la piacevole azione percussiva di battere sui tasti, l’unicità delle pagine impresse e un pò stropicciate sta vivendo un vero e proprio rinascimento attraverso l’infinito mondo dei cosiddetti creativi.
Nella pubblicazione che vi presento oggi, anche se uscita oramai 3 anni fa, i fondatori del Sackner Archive of Visual and Concrete Poetry, forse una delle più grandi collezione al mondo di arte grafica e visuale mettono a disposizione la loro collezione creata in oltre quattro decenni per presentare esempi di grafica, design, illustrazione a tanto altro ancora prodotti, proprio con la macchina da scrivere, da oltre 200 tra i migliori artisti al mondo. Dalle prime opere ornamentali prodotte dai segretari alla fine del 1800 a opere più recenti che analizzano quella che è la situazione particolare del documento dattiloscritto nell’era digitale.
“The Art of Typewriting”, questo il titolo del grosso volume, è suddiviso in tre sezioni principali: un’introduzione alla storia della macchina da scrivere e della sua arte; una sezione che mostra lavori chiave o comunque considerati particolarmente importanti e una sezione di riferimento con le biografie degli artisti e degli scrittori più influenti di questo tanto particolare quanto affascinante genere.
Il layout del libro è stato creato dallo studio di progettazione grafica di Londra Graphic Thought Facility che, con un lavoro simile a quello di Eye Magazine (di cui abbiamo qui parlato in occasione degli STACK Awards 2017) ma come detto con un anticipo di circa tre anni, ha creato una copertina unica per ogni copia del volume tramite una combinazione di immagine anteriore e posteriore.. questo per confermare che di questo libro non esistono due copie uguali.
“The Art of Typewriting” destabilizza la comunicazione lineare come le parole che diventano oggetti. Nell’era di Google, dell’iphone e dei tablet, la macchina da scrivere ha un fascino nostalgico ma, nonostante questo, le splendide opere proposte sembrano esistere al di fuori del tempo e del luogo … I Sackner organizzano le opere tematicamente: testi alfabetici, labirinti e meandri di testi. L’effetto è piacevolissimo. a me sembra addirittura che il libro concorra a creare una piccola ma importantissima tregua dalla nostra costante ricerca di significato. Una finestra di calma nel mezzo alla continua e confusionaria tempesta comunicativa.
Il libro, edito da Thames & Hudson, di cui vi abbiamo già presentato altri lavori (qui e qui), è acquistabile qui.

Un libro documenta il processo creativo per arrivare alla creazione di un nuovo font

Alistair McCready è un giovane diplomato in Design della comunicazione ed oggi parliamo di lui perché si è aggiudicato il premio per il miglior design grafico australiano del 2017. Il premio è arrivato per l’eccellente lavoro di McCready dal titolo “Type as Monument” che è stata premiato con il Pinnacle Award agli Australian Graphic Design Awards (AGDA). Questa è la prima volta che il Pinnacle Award è stato assegnato a uno studente non ancora laureato a testimonianza del fatto del tutto speciale e della bontà del lavoro di editorial design fatto da Alistair in questo progetto.
L’alunno di Bachelor of Art and Design ha consegnato due progetti separalti ma fra loro correlati, un carattere tipografico chiamato Kahu, progettato specificamente per un utilizzo specifico in lavori cn particolarità grafiche che rimandano all’antichità come per esempio su monumenti storici, e un libro “Type as Monument” creato per documentare i processi e lo sviluppo del carattere Kahu.
Per sviluppare il carattere tipografico, McCready ha viaggiato attraverso la Nuova Zelanda fotografando memoriali, statue e monumenti da cui trarre ispirazione e quindi ha ricreato digitalmente quelle lettere aggiungendo elementi extra dove reputava necessario.
Il suo supervisore scolastico, Senior Lecturer Dr Peter Gilderdale, ha dichiarato che il successo di McCready è stato meritato perché sostiene che Alistair è spinto dagli elementi che tutti gli studenti dovrebbe possedere: una curiosità infinita, una costante volontà di andare oltre l’ovvietà, la cura per i dettagli e un enorme rispetto per la Nuova Zelanda e la sua storia.

Un libro illustrato presenta la scuola di attività paranormali

Jefferson Cheng è un designer e illustratore di San Francisco che si occupa di stampa, brand identity con una vasta gamma di clienti, grandi e piccoli. Attualmente lavora anche come designer per Google mentre in passato ha collaborato anche con Monocle, YouTube e tanti altri.
Mi ha colpito questo suo lavoro dal fantasioso titolo “Q.S.R. Class no. 001” e, andando ad approfondire un pò, ho scoperto essere veramente un bel prodotto, ricercato quanto basta per conservare un approccio totalmente underground ma sempre stiloso ed elegante.
L’immaginazione scorre libera in questa zine totalmente grafica.
Illustrata a quattro colori con una linea accattivante utilizzata per narrare le storie di una scuola che intende insegnare attività paranormali.
Tutto imperniato sull’utilizzo di forme geometriche che vengono trasferite da una pagina all’altra creando sempre nuove forme e disegni il tutto con un forte spirito giocoso e irriverente.
Il libro non è in vendita in quanto si tratta di un prototipo che speriamo divenga presto stampato in più copie.

 

Quando un calendario diventa un’opera d’arte tipografica

Fabien Barral è un graphic designer che nel 2008 ha unito le forze con la moglie Frédérique per creare “Harmonie intérieure”, un’azienda ed un marchio che intende sviluppare e sperimentare nei settori del design, poster art e wall sticker. Fabien gestisce anche il blog “graphic-exchange“, un fighissimo blog che gli amanti del genere non possono proprio perdersi. Da qualche anno lavora sotto lo pseudonimo di Mr-Cup che sviluppa i suoi prodotti: calendari, sottobicchieri ed un sacco di altra bella roba di cui oggi presentiamo l’ultimo arrivato, il “2018 Mr Cup Letterpress Calendar”.
Nel 2018 potrete infatti seguire i mesi che passano trovando sempre nuove ed interessanti perle di saggezza. Si tratta di un’edizione limitata numerata a mano di cui sono state realizzate due edizioni: l’edizione DELUXE è su carta blu scuro, con stampa RAME FOIL e WHITE FOIL, l’edizione NORMAL è stampata a inchiostro in 2 colori con inchiostri argento e bianco. Il calendario è stato stampato su 2 gamme di carte eco-compatibili sviluppate da Favini. La collezione REMAKE include residui di pelle per sostituire la cellulosa FSC e viene prodotta con il 100% di energia verde. La collezione CRUSH è una gamma di carte realizzate utilizzando residui di processo da prodotti biologici: kiwi, caffè, nocciole o mandorle. Certificata FSC, senza OGM, questa carta contiene il 40% di rifiuti riciclati post-consumo ed è prodotta con il 100% di energia verde.
Il calendario è stampato in Francia, presso Studio Pression. La stampa tipografica ha la capacità di dare lo splendido rilievo alla carta aggiungendo tonnellate di pressione durante la stampa. Si chiama deep impression o debossing e a me fa impazzire. Più è spessa la carta, più profonda è l’impressione.
La copertina è stata progettata da Tom Lane noto anche come Ginger Monkey mentre per quanto riguarda la grafica, presenta disegni unici di Salih Kucukaga, Nick Misani, Reno Orange, Keith Tatum / The Type Hunter, Jeff Trish, Stefan Kunz, Lauren Hom, Kelli Anderson, Francis Chouquet !

Ragazzi, il calendario è davvero fantastico, o per lo meno io me ne sono innamorato. E’ acquistabile qui.

Un libro interamente dedicato al carattere tipografico “Felice”

Attivo dal 2013, Nootype è uno studio grafico fondato da Nico Inosanto specializzato nella creazione di lettering e font originali ed estremamente classiche con sede a Neuchâtel in Svizzera. Il suo obiettivo principale è quello di offrire caratteri nuovi e freschi per vari e differenti usi. Tutti i caratteri tipografici offerti da Nootype dispongono di molti stili e funzioni che li rendono un’ottima scelta sia per edizioni ricercate sia per i progetti più semplici e minimali. Inosanto concentra il proprio lavoro principalmente sulla tipografia per la realizzazione di nuovi caratteri tipografici e oggi vi presento il suo libro interamente dedicato a un carattere elegante e di classe chiamato Felice. Seguendo l’approccio del suo lavoro di progettazione editoriale, il libro è semplicemente bello per chi ama conoscere e studiare lparte della creazione di una lettera, le sue caratteristiche e soprattutto i dettagli di quella che è una vera e propria arte artigianale.

Un libro di cucina per descrivere un ristorante a conduzione familiare australiano

Sembra che il periodo natalizio e di fine anno mi abbia messo la voglia di segnalarvi solo libri inerenti al cibo ed alla cucina, ma non è del tutto così, vedrete…  anche se oggi rimaniamo in tema e vi presento il volume intitolato “Cazador” ideato da Tim Donaldson del SeaChange Studio di Auckland, in Nuova Zelanda.
Come detto si tratta di un libro di cucina stampato in una tiratura in edizione limitata di 1000 copie ispirato da un piccolo ristorante australiano, il Cazador appunto, a conduzione familiare. I proprietari volevano creare qualcosa di profondamente personale per il loro luogo, che mettesse in mostra le loro ricette di famiglia tramandate oramai da generazioni.
All’interno del libro si respira un’aria vintage, dallo stile retro, come nei vecchi ricettari in cui ti vengono presentate le immagini che mantengono ancora quei colori oramai superati, accompagnate però da un molto più attuale utilizzo della tipografia. Un piccolo indice è stampato all’interno del libro in un grande carattere nero, ben distanziato e bilanciato. Il nome di ogni piatto è stampato in un semplice carattere nero insieme ad un piccolo punto in diversi colori. Il libro contiene anche immagini di chef che preparano i piatti, creando contenuti accattivanti per un lettura utile e gradevole.

Un libro racconta per immagini e grafica la storia del movimento pacifista in Inghilterra e nel mondo

“People Power” è un bel libro che traccia la storia del movimento contro la guerra nel Regno Unito dallo scoppio della prima guerra mondiale ai conflitti attuali in Medio Oriente raccontando la storia degli obiettori di coscienza e di tutti coloro i quali si sono impegnati in prima persona per protestare contro ogni forma di conflitto o guerra.
Basandosi su testimonianze raccolte da diretti interessati e soprattutto sulla vastissima collezione del Museo Imperiale della Guerra e del suo ricco archivio di materiale visivo, tra cui fotografie, dipinti, poster, cartoni animati e distintivi, il libro esplora le molteplici ragioni che da sempre uniscono le persone che si oppongono alla guerra ed esamina i cambiamenti e le costanti presenti nel movimento. Viene inoltre esaminato il ruolo delle principali organizzazioni e gruppi all’interno del movimento, come la Peace Pledge Union negli anni ’30 e il Greenham Common Women’s Peace Camp negli anni ’80, così come quella di singoli sostenitori di alto profilo, tra cui Fenner Brockway e Tony Benn.
Il libro, edito dalla storica casa editrice inglese Thames & Hudson è acquistabile qui.

Un libro ben fatto vi insegnerà i segreti del perfetto hamburger

In questi giorni di mangiate senza fine, di spasmi e lotte per riuscire ad alzarsi indenni dai pranzi e dalle cene, non poteva mancare un consiglio culinario fra le nostre segnalazioni editoriali.
Ecco infatti “The Huxtaburger Book”, un libro prodotto e realizzato a cura dell’omonima catena di ristoranti australiani Huxtaburger.
L’obiettivo del volume è dichiarato all’inizio, quello cioè di cambiare e tutto ciò che pensi di sapere sugli hamburger fornendoti tutte le informazioni necessarie per riuscire a creare hamburger di culto anche standotene tranquillamente a casa tua.
L’autore del libro è lo chef Daniel Wilson, cofondatore di Huxtaburger, che illustra e dettaglia una ampia lista di deliziose ricette, da come portare il tuo cheeseburger standard al livello successivo, con una serie di dati, condimenti e addirittura le giuste bevande da abbinare fra cui varie coke, birre e frappè.
Vincitore del Best Designed Cookbook 2016 agli ABDA (Australian Book Designers Association Awards), il libro è veramente gradevole pien di infografiche, rimandi, informazioni e grafiche di ogni tipo.

Il libro, ideato da A Friend of Mine Design Studio è acquistabile qui.

“YEAH”, la rivista di poesia e provocazione dei Tuli Kupferberg

Nei primi anni ’60 la controcultura spinta dai Beat nell’East Village di New York iniziò a pubblicare una sfilza di quelli che presto divennero noti come magazine “underground”.
Ci siamo già occupati di editoria underground in altre pagine di questo sito, ma oggi andiamo un pò agli albori del fenomeno. Molte di queste pubblicazioni stampate a basso costo seguirono la tradizione dei Samizdat e soprattutto del fantastico movimento (ops!) Dada. Alcuni erano noti per raccogliere le informazioni e le notizie che i media tradizionali si erano rifiutati di stampare mentre altri avevano pubblicato delle vere e proprie notizie false che, paradossalmente, si rivelavano false notizie vere.
La rivista YEAH è stata originariamente pubblicata in dieci numeri tra il 1961 e il 1965 da Tuli Kupferberg (membro fondatore, con Ed Sanders, del gruppo rock satirico The Fugs) e Sylvia Topp’s Birth Press. Kupferberg, infilando l’ago della politica di sinistra nel dibattito con il sarcasmo e lo spirito creativo per cui è diventato  subito famoso”.
Kupferberg e altri abitanti dell’East Village hanno contribuito con poesie, disegni e collage contro la guerra nucleare, il razzismo, la supremazia bianca e i valori conservatori della classe media che erano diventati il ​​segno distintivo dell’America degli anni ’50. Con il numero 8, Kupferberg ha dispensato i contributori, scegliendo invece di presentare solo il proprio lavoro.

Le copie di YEAH sono acquistabili qui.

 

Questo “Manuale di tirannia” tenta di dimostrare graficamente i limiti della nostra società.

Theo Deutinger, fondatore dello Studio TD, è un architetto, scrittore e designer di mappe socio-culturali. I suoi lavori sono stati pubblicati su varie riviste tra cui Wired, Domus e Mark Magazine.
Il volume che vi presento oggi, si intitola “Handbook of Tyranny”, in italiano “Manuale di tirannia”, edito dalla Lars Müller Publishers e descrive le crudeltà del XXI secolo attraverso una serie di illustrazioni dalla grafica minimale, moderna e assai dettagliata. Nessuna di queste crudeltà rappresenta una violenza assoluta ma riflettono invece l’implementazione quotidiana di leggi e regolamenti così come avvenuto più o meno allo stesso modo in tutto il mondo.
Ogni pagina del libro mette in discussione il nostro mondo attuale fatto sempre più di muri e recinzioni, tattiche della polizia e prigioni, controllo della folla e campi profughi.
Lo stile asciutto, concreto e fattuale dello storytelling di Theo Deutinger è accompagnato da un saggio di Brendan McGetrick e si sviluppa nelle 160 pagine del libro attraverso i disegni dallo stile tecnico è l’equivalente grafico della rigidità burocratica che nasce da leggi e regolamenti sotto i quali stiamo soccombendo sempre più. Il livello di dettaglio delle illustrazioni del libro rispecchia gli sforzi repressivi intrapresi dalle autorità di tutto il mondo e dimostra come il ventunesimo secolo rappresenti lo sforzo massimo dell’uomo per la costruzione di una società sempre più regolamentata e protettiva.
Il libro è acquistabile qui.

Un libro che spiega il rapporto fra il gesto e la parola nella lingua italiana

Mentre studiava le lingue, i segni e più in generale la comunicazione in uno dei suoi corsi di laurea all’università, la giovane studentessa italiana di stanza a Colonia, in Germania, Silvia Gaianigo ha capito quanto sarebbe stato divertente ed interessante mettere a fuoco la propria lingua, l’italiano appunto.
Si tratta infatti forse della lingua con maggiori trasposizioni gestuali del mondo così alla fine ne è saltato fuori un libro, un piccolo dizionario che contiene i segni ed i gesti delle mano più popolari nell’uso comune da parte della popolazione italiana mentre parla.

Anche per il 2018 ecco “Standard Memorandum”, l’agenda super retro creata da Jon Contino per Word Notebooks

Son anni che seguo i lavori di Jon Contino, anche quando quel suo stile totalmente fuori dalla contemporaneità non aveva ancora assunto quel glamour che oggi lo fa essere uno degli art director più ricercati (e pagati) di una certa New York. Detto questo è chiaro che, come nel 2017, anche per il prossimo anno non sarebbe male acquistare l’agenda frutto della sua collaborazione con lo storico marchio Word Notebooks che ripropone esattamente e ostinatamente la stessa identica forma e layout della precedente.

“Standard Memorandum” si ispira infatti alle riviste tascabili dei primi del ‘900, periodo assai caro come gusto e sensibilità al designer e illustratore Jon Contino che ha creato una versione moderna e attuale di questo che, per gli americani, è stato un taccuino leggendario. Proprio come con l’originale, lo spazio per le annotazioni giornaliere è ridotto al minimo, una o due righe ogni giorno per un anno e alla fine ti ritroverai un anno della tua vita su carta.
Il progetto Standard Memorandum iniziò dopo che Jon Contino scoprì i diari tascabili del bisnonno di sua moglie risalenti ai primi anni del ‘900, ognuno dei quali gli raccontò un quadro dettagliato della sua vita facendo nascere il desiderio di iniziare a riprodurre quell’agenda.
Come spesso accade quindi gli incontri fortuiti, in questo caso i ritrovamenti, possono essere la scintilla per una nuova idea
Lo “Standard Memorandum” 2018 lo potete acquistare qua.

Attraverso la grafica il libro “The Scale of Things” ti fa scoprire un nuovo mondo

Uno di quei libri che non capisci al primo sguardo, di quelli che ti chiamano e ti costringono ad avvicinarti, sfogliare, eggere e capire. Per poi, in fondo, finalmente avere chiaro il progetto e goderne il significato.
Se poi, il tutto, pè condito da un accurato lavoro editoriale e da una certa spregiudicatezza visiva, allora io sono vinto e l’innamoramento scatta inevitabile.
Sto parlando del libro “The Scale of Things” edito da Quadrille Editions e opera dello studio Praline Design e del suo fondatore David Tanguy.
The Scale of Things è accattivante, ti porta oltre la distanza per esplorare fatti e fenomeni trasformando il loro significato attraverso un nuovo stile grafico.
La grafica è infatti parte integrante della comprensione delle affermazioni di ogni essere umano, un mix di informazioni grafiche, tipografia e illustrazioni formano le rappresentazioni visive con cui noi tutti afferriamo i concetti.
Il libro è rivolto a tutte le età da 10 anni in su perché può essere divertente per tutti scoprire la nuova veste data a concetti quali la Biologia, il Cosmo, l’Economia, l’Ambiente, la Tecnologia ecc.

Il libro è in vendita qui.

La più grande collezione al mondo dedicata agli stati alterati della mente è di un uomo colombiano e la potete trovare racchiusa in un libro

Mi sono imbattuto nella realtà di Anthology Eitions ramai qualche anno fa, mentre stavo cercando di comporre una bibliografia sulla poster art californiana.
Mi piace il loro stile, mi piace il mix elegante fra il palese amarcord del loro gusto e la voglia di stare in questo presente incasinato. Mi piace il contenuto dei loro lavori, i criteri di selezione e la cura con cui presentano il tutto.
Oggi vi parlo di Anthology Editions e della loro ultima fatica, su carta ovviamente.
Anthology Editions è una bella realtà editoriale con sede a Brooklyn, NY che indaga con passione il patrimonio della cultura pop senza porsi limiti di genere o di forma. Il vero cuore pulsante del progetto editoriale sta infatti nell’amore verso l’archiviazione e la catalogazione di materiali di un tempo passato con l’obiettivo di ripresentarli con un sempre accurato e accattivante lavoro di redesign e un ottimo lavoro di ricerca e commento.
Il progetto si basa su due colonne principali, quella di Anthology Recordings in cui vengono riportati a galla i suoni e le vibrazione passate per illuminare il presente. Si parla molto di surf revival sound e di quelle certe good vibration di cui, almeno quelli della mia generazione, hanno solo letto sui libri senza mai davvero assaporarle se non di rimbalzo.
L’altra parte del lavoro è appunto Anthology Editions dove vengono ideate e prodotte attività culturali come edizioni di libri, raccolte musicali o grafiche e mostre. 

Tutto il racconto parte dalla figura quasi mitologica di Julio Mario Santo Domingo (1958-2009), il collezionista e soprattutto visionario colombiano che per tutta la sua vita e spendendo una vera e propria fortuna, ha riempito le sue innumerevoli case e i suoi svariati magazzini con la più grande e sterminata collezione privata del mondo legata ai temi della droga, del sesso, della magia e del rock and roll. Sto parlando di una collazione che comprende una libreria di oltre 50.000 titoli dove trovare da manoscritti e foto rarissime e poster, stampe, serigrafie originali. Bottiglie, lettere, pipe da oppio e addirittura diversi flipper che, – ovviamente – riguardavano il tema dell’alterazione.
La collezione mostra le innumerevoli influenze che gli stati di alterazione della mente hanno avuto su arte, scienza e politica nel corso dei secoli attraverso anche opere di artisti quali Andy Warhol, Timothy Leary, Sigmund Freud, il Marchese di Sade, Charles Baudelaire, Allen Ginsberg, i Rolling Stones, Aleister Crowley e molti, moltissimi altri.
La collezione è stata depositata all’Università di Harvard da suo figlio, Julio Santo Domingo.

Tutto questo lo potete trovare in “Altered States: The Library of Julio Santo Domingo” un volume pesante, grosso, costoso e fantastico che mette in evidenza i pezzi della collezione nelle sue densissime 480 pagine e 650 immagini.
I testi sono curati da Peter Watts e la parte grafica da Yolanda Cuomo.

Per chi ha un pò di soldi da spendere, il libro si acquista qua.

Un libro/calendario con una grafica al giorno tutte in bianco e nero prodotto da Fedrigoni

“Fedrigoni 365” è un progetto dello studio londinese TM creato per commemorare il 2018 chiedendo ai principali creativi inglesi di contribuire con un lavoro a quello che risulta essere un vero e proprio compendio di design e che in questo progetto prende la forma del calendario annuale di Fedrigoni.
Il risultato di questo processo è un sorprendente libro nero dimensioni 165x220mm di ben 400 pagine che contiene 365 disegni monocromatici all’interno. Ogni disegno è stato creato come interpretazione di una data che è stata fornita a caso a ciascun partecipante. Le regole con cui creare il disegno sono stati stabilite per sfidare al massimo la creatività di ciascun designer imponendo i limiti di utilizzo di una sola pagina e del Bianco e nero che ha costretto tutti i creativi interessati a concentrarsi rigorosamente sul concetto e sulla forma.
Il Calendario che ne è venuto fuori è veramente un bellissimo prodotto editoriale, ha una forma organica il cui ritmo varia da una pagina all’altra senza un vero e proprio filo conduttore se non appunto quello del bianco e nero.
Altro aspetto importante del progetto è che tutti i profitti ricavati dalla vendita del libro andranno direttamente all’associazione benefica Make-A-Wish.

Com’è l’inserto “Playlist” di Internazionale? La recensione

Con molta curiosità sono andato in edicola a prendermi “Playlist”, l’inserto one shot realizzato da Internazionale con l’ormai obbligatoria lista di liste del meglio di questo 2017 che sta andando in archivio.
Come sempre ho misurato prima le mie aspettative anche alla luce di 2 diverse considerazioni:
– la prima è che Internazionale è oramai un must per una piccola – ma nemmeno poi tanto piccola – fascia di lettori. Un ruolo che si è costruito negli anni con coerenza, professionalità e attenzione alla qualità in ogni aspetto della rivista cartacea prima e dell’intero progetto editoriale poi.
– la seconda è che, pur apprezzando i piccoli ma continui aggiustamenti grafici e i lenti adeguamenti a nuovi standard estetici, Internazionale sembra muoversi in maniera pesante e impacciata quasi come se si fosse adeguata al suo standard qualitativo che – ripeto – è eccellente. Questo però ha impedito alla testata di Giovanni De Mauro di presentarsi con novità rilevanti più di forma che di contenuto, oramai da un pò di tempo a questa parte.

Partendo da questi due punti, ho sfogliato “Playlist”….

Il progetto grafico e l’art direction è come sempre del resto, a cura di quel geniaccio di Mark Porter, mentre la bella grafica di cover e gli inserti grafici delle sezioni interne sono tutti di Marco Goran Romano, già attivo protagonista del panorama editoriale italiano prima in Wired Italia e poi con lo studio Sunday Büro in cui lavora con Valentina “Alga” Casali e con il quale ha recentemente contribuito al re design dei font utilizzati dalla storica rivista musicale Il Mucchio Selvaggio.

Sono un ammiratore del lavoro e dello stile di Goran Factory e quindi rischio di essere di parte, ma sfogliando la rivista si nota come sia stato centellinato il suo apporto in favore, come già accennato, di un più rigoroso e conservativo layout che non si discosta quasi per niente da quello del settimanale.
La griglia è la medesima, il font titolo e corpo del testo sono i medesimi, tutto sembra Internazionale e quindi la scelta è stata chiaramente quella di lasciare il lettore all’interno del suo spazio di confort settimanale, di non metterlo di fronte a qualcosa di nuovo e di un pò spregiudicato come mi sarei aspettato da un progetto one shot come questo che sicuramente non era del tutto un azzardo dal punto di vista commerciale tenuto conto anche della forte devozione dei lettori per l’intera produzione di Internazionale.

Certo, da un punto di vista del contenuto niente, ma proprio niente, da dire. Come sempre ci siamo ed è un vero piacere scandagliare tutti i consigli e le dritte che ci vengono fornite da ospiti italiani ed internazionali: dai film, alle serie tv, dalla narrativa alla saggistica, fino ai videogiochi, non tralasciando mai la bella sezione dedicata ai fumetti e quella oramai diventata standard dei gadget.

 

Altro punto forte, direi una colonna portante del progetto Internazionale è l’utilizzo della fotografia. Grandi, belle, originali, sono le foto sparse per le pagine che contribuiscono non poco al piacere della lettura conferendo anche a Playlist quell’alone di oggetto ricercato e ben confezionato da sempre marchio di fabbrica della casa.

Ecco, finito di sfogliare e tirando le (mie) somme, Playlist non mi ha convinto del tutto dal punto di vista della grafica lasciandomi l’idea che si potesse davvero osare di più, che si potesse utilizzare questa parentesi di fine anno per sondare, per provare, per far assaggiare ai lettori oramai fidelizzati e abituati alla storica griglia a 8 colonne di Internazionale, una sensazione di maggiore freschezza e voglia di avventura.
Squadra che vince non si cambia, dicono i saggi, e Internazionale oramai da tempo ha visto la sua scommessa, ma sono certo che, Giovanni De Mauro ed i suoi hanno ben chiara la necessità di essere sempre più strumenti ibridi, flessibili e, a volte, anche spregiudicati. Forse non è ancora giunto il momento, ma arriverà e come sempre Internazionale sarà all’altezza della situazione, anzi forse ancora una spanna sopra agli altri.

“Fuck You: A Magazine of the Arts” non era un magazine, era un manifesto per la rivoluzione della vita

Fuck You: A Magazine of the Arts è stato qualcosa di unico.
E’ stato un magazine fondato nel lontano 1962 dal poeta Ed Sanders in una New York dove inventare, creare e tutto il resto, era molto facile e alla portata di tutti.
Quello che era il motto della rivista, inventato dallo stesso Sanders, era I’ll print anything e, non so a voi, ma a me fa star bene solo a leggerlo.
Prodotta su un vecchio ciclostile prestato da amici e stampata su carta economica multicolore, vive incredibilmente dal febbraio ’62 al giugno ’65 per un totale di ben 13 uscite in 3 anni.
Sul primo numero, distribuito sul Lower East Side di New York City, si leggeva la seguente dedica: “Dedicato al pacifismo, al disarmo unilaterale, alla difesa nazionale attraverso la resistenza nonviolenta, alla sincronia multilaterale indiscriminata, all’anarchismo, al federalismo mondiale, alla disobbedienza civile, agli ostruzionisti e ai sottomarini e a tutti quelli che barcollano da J. Edgar Hoover nelle stanze segrete del Congresso“.

Il quartier generale era il Peace Eye Bookstore, libreria che Sanders gestiva spavaldo ed in cui passavano strani personaggi fra cui bohémien, scrittori e radicali. Il 1° gennaio 1966 la polizia fa però irruzione nella libreria accusando lo stesso Sanders di oscenità e la notorietà generata dal caso mediatico porta alla sua apparizione nella copertina del 17 febbraio 1967 di Life Magazine, che lo proclama leader della controcultura di New York.


Alla fine del 1964 Sanders fondò anche il grupppo musicale The Fugs con il poeta Tuli Kupferberg (qui qualche info su di lui dal blog di Ernesto Assante).
Per darvi un’idea dell’aria che si respirava e della forte sensazione di poter essere soggetti attivi nel cambiamento della vita di tutti, ricordo che il 21 ottobre 1967 al National Mobilization Committee, durante una grande manifestazione organizzata contro la guerra in Vietnam, nella marcia verso il Pentagono, Sanders con i suoi The Fugs e il gruppo dei San Francisco Diggers organizzarono un rito di massa per “esorcizzare” il Pentagono.

Fuck You: A Magazine of the Arts fece parte integrante della cosiddetta Mimeo Revolution o Mimeograph Revolution, la Rivoluzione degli anni ’60 e ’70 in cui i piccoli prodotti editoriali indipendenti, non commerciali, facilitati dall’accessibilità del ciclostile – mimeograph appunto – e altri diavolerie, si misero in moto distinguendosi dalla tradizionale stampa per il forte grado di sperimentazione, di fantasia e di eccentricità.
Le riviste principali, associandosi fra loro, favorirono la pubblicazione di lavori sperimentali e clandestini che accompagnavano presentazioni molto vicine al teatro e alla recitazione, di giovani poeti così pieni di parole da traboccare.
Per tutti i suoi 3 anni di vita Fuck You: A Magazine of the Arts fu il magazine che si fece  portavoce delle battaglie per la libera espressione, sfidando i tabù del sesso e della droga, sostenendo il libero amore e l’uso delle sostanze psichedeliche molto prima che venissero prese in considerazione dai più diffusi movimenti controculturali della fine degli anni Sessanta.
Molto spesso tenuto in ombra da altri personaggi del periodo come Ginsberg o Kerouac, Ed Sanders ed i suoi compagni di riviste, sono stati invece uno dei principali anelli di congiunzione che hanno unito la generazione Beat degli anni Cinquanta e la successiva controcultura Hippie della metà degli anni ’60.

Motto Distribution ha ristampato e rilegato i primi 4 volumi di Fuck You: A Magazine of the Arts che potete acwuistare qui.

An elegant golden book with the treasures inside

I fell in love with this product called “Sendings” producred by Aggie Toppins.
Aggie teaches graphic design at the University of Tennessee at Chattanooga and serves as Associate Head of the Art Department. After working for more than 15 years as a commercial designer, Aggie is directing her creative energies towards self-publishing editions through The Unofficial Press, writing about design, and doing community-based projects. Aggie received her MFA from the Maryland Institute College of Art in 2012. She lives beside a mountain with her husband and their two silly dogs.
“Sendings” is elegant, refined, with some graphic experimentation elements that I really enjoyed.
This independent product is made up by four essays relating to travel, theory, and the work Aggie mades in France, including the Sendings and Palimpsests projects.

Sendings from 2016. A series of collages on paper with an examination of symmetry and its connotations, this series draws on Jacques Derrida’s text “La Carte Postale”, in which the author disassembles binary oppositions in favor of readings that flip around an axis like a post card.
Palimpsests. from 2016–ongoing. Silkscreen and digital printing on fine papers. Printed in editions of 10 each. This series of collage-based prints is rooted in the practice of psychogeography. I mark my movements through the world as a solo female traveler by using the scraps of ephemera that pass through my life while traveling. The project indexes my own embodied experiences, while at the same time capturing how these experiences have left their trace on me.

You can buy the book in the shop of Aggie Toppins here.

Il libro raccoglie il meglio della stampa risograph in Europa

La casa editrice spagnola Monsa Pubblications, di cui abbiamo già avuto modo di parlare (qui),  ci regala un altro bel prodotto questa volta tutto dedicato alla risografia.
La stampa in risograph infatti è una sottocultura e un metodo di stampa con una riuscita estetica molto particolare e unica con la quale molti artisti, designer, creativi e bookmaker si stanno confrontando per le sue caratteristiche di relativa facilità di utilizzo e per quell’effetto simil serigrafico che tanto piace ai creativi di tutto il mondo.
Uno degli aspetti infatti che rende unica la risograph è l’accettazione, direi forse l’amore, verso le imperfezioni, verso l’unicità di ogni singola copia che, a differenza del processo serigrafico, viene qui ricreato attraverso strumenti digitali e automatici.


Il libro “Risography. Loving imperfections” è formato da 144 pagine in inglese e spagnolo, ricco di illustrazioni e prodotti a stampa originali creati dai rulli di inchiostro che vi faranno, se ancora non lo siete, innamorare di questo processo che sta sempre più diffondendosi anche in Italia.
Qui potete dare un’occhiata alla preview su Issu.

Il libro  acquistabile sul sito Monsa.

“Layout now” ti insegna ad usare le griglie per impaginare i tuoi prodotti editoriali

Con la convinzione che i buoni libri coltivino menti più solide e più interessate al miglioramento della vita di tutti, il team di SendPoints continua orgoglioso a pubblicare sempre ottimi libri. Dalla sua fondazione nel 2006 in Cina, SendPoints è diventata una delle migliori case editrici di arte e design di tutto il mondo. Lo splendido catalogo si muove su diversi settori quali la grafica, l’interior design, l’architettura ed il design di prodotto.
Io personalmente mi sono innamorato dei loro lavori partendo dalla splendida rivista BranD (di cui ho parlato qui per il numero speciale sul panorama attuale dei magazine) e che, dal suo lancio nel 2012 è diventata un riferimento anche nel settore magazine.

Il volume però di cui vi voglio parlare oggi si intitola “Layout now” e, come è facile intuire dal titolo, riguarda essenzialmente chi ama avere a che fare con griglie, margini, font e tutto quanto prevede una materia ampia e affascinante come l’editorial design.
Il layout design gioca un ruolo importante in quasi tutte le forme di design grafico, basti pensare ai giornali, ai libri, alle riviste, alle brochure, ai poster, alle pagine web e così via. “Layout now” illustra i principi del layout riconducendolo essenzialmente alla conoscenza ed alla padronanza dell’uso delle griglie, veri e propri strumenti del mestiere per chi ne conosce i segreti.
Tutti gli esempi riportati vengono scomposti spiegando quelli che sono i passaggi per una corretta costruzione che parte dal foglio bianco per diventare un layout definito grazie proprio alle griglie.

Quindi, per chi volesse iniziare o per chi già si confronta con la creazione di progetti di design, questo bel librone di 256 pagine a colori è disponibile anche in Italia presso la splendida libreria Limond di Paolo Cardinali.

Il Modernismo statunitense finalmente trova casa in un libro arancione

Display è una realtà editoriale gestita dallo studio creativo newyorchese Kind Company formato da Greg D’Onofrio e Patricia Belen. Il progetto mi piace e lo seguo da un pò perché amo particolarmente il suo approccio che sta a metà fra il prodotto classico, imponente e una certa ricercata spregiudicatezza nei soggetti su cui sofferma la propria attenzione con volumi tanto ben curati quanto interessanti.
Tutto il catalogo si concentra sul design modernista statunitense degli anni Cinquanta prendendo spunti da ogni tipo di prodotto: periodici, tipografia, arredo, pubblicità e oggettistica in genere. Dare visibilità a questo tipo di materiali per un pubblico di appassionati è davvero un modo utile di fare documentazione ed educazione per le scuole, per gli insegnanti, studenti, designer e ricercatori indipendenti.
Ultimamente pare abbiano interrotto i loro lavori e la cosa mi rende davvero triste anche se un’occhiata ogni tanto continuo a darla sperando in nuove notizie.

Greg D’Onofrio e Patricia Belen

Il libro di oggi è “The Moderns: Midcentury American Graphic Design”, un grosso volume sul movimento del Modernismo che ha trasformato il design grafico americano nella metà del XX secolo e ha stabilito un linguaggio visivo che conserva ancora oggi un’enorme importanza. A ben guardare, a differenza con quanto accaduto per le sue versioni europee, il Modernismo americano è stato poco analizzato ed infatti questa è la prima raccolta esaustiva su questo fenomeno che ha plasmato l’ambiente visivo del paesaggio urbano delle città americane.
Si tratta del lavoro di 63 grafici di cui vengono presentati sia i maggiori lavori, sia le rispettive biografie. Alcuni di questi veri e propri innovatori erano immigrati europei che portarono dall’Europa dove era nato, il vento nuovo del Modernismo.

Il libro è acquistabile sul sito della Casa Editrice, la Abrams Books, QUI.

45 giovani artisti creano una nuova font lavorando, ognuno sul lavoro dell’altro

New Contemporaries” è una delle organizzazioni leader in UK per il supporto e la promozione dei giovani artisti emergenti inglesi che, al termine del loro percorso accademico, si affacciano per la prima volta nel mondo del lavoro.
Dal 1949 New Contemporaries ha cercato di fornire sempre strumenti all’avanguardia per gli studenti di arte moderna indipendentemente dal luogo e dalla scuola di provenienza, mantenendo perciò un punto di vista democratico e creativo che ancora oggi ne fa una realtà eccezionale.
Questa eccezionalità risulta evidente dal progetto che ha visto produrre il catalogo della mostra annuale di questi artisti emergenti che nel 2017 sono stati selezionati da: Caroline Achaintre, Elizabeth Price e George Shaw.

Il catalogo è un volume blu e bianco, completamente illustrato e include come di consueto le biografie di tutti gli artisti e un breve btta e risposta con i loro selezionatori. Il progetto è stato ideato e realizzato dai ragazzi di Hato, studio londinese di  design specializzato nella visual identity e nell’art director.

Come dicevo si tratta di un prodotto azzardato, folle e molto attuale visto che si basa sulla creazione condivisa fra tutti gli artisti di un prodotto editoriale unico.
E’ stato co-progettato il font da tutti i 45 artisti selezionati, fornendo loro uno strumento digitale con cui potevano manipolare il lavoro dell’artista precedente partendo da una griglia vuota fino ad arrivare, con pochi clic, ad una famiglia completa. L’altro aspetto assurdo ed eccitante è che tutto questo si è svolto nell’arco di 24 ore in un workshop online.

Oltre ad essere il core del catalogo, il carattere progettato è diventato il simbolo della relativa campagna di marketing, in modo da rendere tutto coerente, innovativo e, penso sia indiscutibile, unico e condiviso.

Il volume è acquistabile QUI.

 

Qualche considerazione sulla nuova versione cartacea del quotidiano la Repubblica

Quindi ci siamo, oggi è il giorno della rivoluzione del quotidiano La Repubblica e quindi, non potevo non entrare in edicola con grande curiosità e altrettanti aspettative. Molte volte, devo dire, che a fronte di una tanto sbandierata innovazione, mi sono trovato a storcere la bocca. Troppo poco il coraggio, troppo pochi i segnali di cambiamento.
Partiamo subito dal dire che questo oggi non è successo. I cambiamenti ci sono, sono molti ed evidenti sia dal punto di vista del layout, delle griglie che di altri aspetti che rendono la nuova Repubblica molto più leggera ad un primo impatto, ma andiamo nei dettagli che mi hanno colpito.

Fin dalla prima pagina risulta evidente il nuovo elemento inserito sui lati lunghi della pagina, colonne che fungono da segnaletica del lettore che, sparse per tutto il quotidiano, hanno l’obiettivo di dare sempre un riferimento immediato sulla sezione che stiamo leggendo.

La griglia a me sembra molto più regolare, quasi ancora più classica della precedente per una maggiore chiarezza nella lettura e, per un generale ordine dei fogli che facilita sempre la comprensione.
Viene ulteriormente spinto l’utilizzo della grafica con belle visualizzazioni a doppia pagina (lo spazio che si meritano) ed elementi sparsi quasi in ogni pagina del quotidiano dimostrando evidentemente che l’esperienza di Robinson e del suo impatto fresco e dinamico sta pagando.

Sempre nel solco della nascita di un ibrido fra l’inserto del sabato e la vecchia Repubblica, è l’utilizzo nuovo (per il quotidiano) delle illustrazioni: più spregiudicate nel colore, più dinamiche nel loro rapportarsi al testo. Le foto continuano nettamente a dominare soprattutto nella prima parte, quella rimasta più in linea con il procedente layout e, da questo punto di vista, non vi sono miglioramenti con nessun tipo di sviluppo o sperimentazione. Quello dell’apparato fotografico resto perciò, a mio avviso, uno dei punti deboli di Repubblica (e dei quotidiani in generale) che non scommettono su questo aspetto tanto quanto stanno sia pur lentamente iniziando a fare con la grafia, la tipografia e altri aspetti.

Le amache se ne ritornano all’interno del giornale andando ad abitare la colonna, forse l’elemento a prima vista più innovativo e di rottura con la tradizione di Repubblica e dei quotidiani in genere.
A me piacciono, rendono la pagina maggiormente completa e definita, sono utili per la lettura e esteriormente inseriscono il contenuto in una cornice tutto sommato gradevole.

Insomma, se rivoluzione ci doveva essere, rivoluzione possiamo dire che c’è stata. Come prevedevo la trasformazione va chiaramente verso le idee portate da Franchi su Robinson, le adegua al quotidiano pur lasciandole andare in circolo a contaminare le pagine. Immagino, anzi spero, sia solo l’inizio di una sperimentazione che porterà il quotidiano alla ricerca di nuove forme e nuove organizzazioni tutte da scoprire visto che di fronte a chi vuole provarci ci sono praterie inesplorate. Il quotidiano in generale, rispetto ad altri prodotti editoriali, è infatti quello che meno ha assorbito i cambiamenti soprattutto dal punto di vista cartaceo restando ancorato a rigidi schemi oramai da superare. Vedremo.
Penso che il merito maggiore di Calabresi, ma soprattutto di Rinaldi e Franchi, sia comunque quello di aver voluto lanciare un segnale, di aver scommesso di nuovo, cosa questa mai semplice né banale e di cui, va dato atto, negli ultimi anni si è sentita la mancanza.

Una rivista degli anni Sessanta ma realizzata oggi da un maestro del fumetto punk

Gary Panter è da molti considerato uno dei più grandi disegnatori al mondo, soprattutto per quanto riguarda il mondo dei comics che gardano orgogliosamente al passato.
Panter è un vero e proprio mito per alcuni visto che a lui si fanno risalire alcune delle primissime pubblicazioni indipendenti di fumetti in uno stile che possiamo definire proto punk, ma partiamo dall’inizio.
Gary Panter nasce in Oklahoma ma cresce in Texas dove studia pittura presso la East State University per poi trasferirsi a Los Angeles nel 1977. A LA inizia a lavorare in diversi ambiti, dalla pittura al disegno, dai fumetti alle immagini commerciali, creandosi un proprio stile personale che amalgama insieme vari media e che ancora oggi lo rende unico ed immediatamente riconoscibile.
E’ con i fumetti però che Gary riesce davvero a crearsi un suo agguerritissimo seguito disegnando “Jimbo”.


Gary però ha deciso di coronare un suo sogno che gli balenava in testa, come lui stesso ha avuto modo di dire, oramai da più di 50 anni, quello cioè di ideare e realizzare una rivista hippie, proprio come quelle che venivano distribuite per le strade di San Francisco nei tardi anni Sessanta. Anzi, a dir la verità, dando un’occhiata, si capisce subito quello che è stato il suo punto di riferimento e ciooè quel “San Francisco Oracle” che, da un’idea di Allen Cohen, divenne forse uno fra i più ricercai e meravigliosi prodotti dell’editoria underground del periodo.

 

Grazie all’aiuto dell’amico art director Norman Hathaway ed al grafico Char Esme, ecco dunque “Fog Window”, un folle viaggio psichedelico in pieno e perfetto stile hippie accompagnato da un’esibizione chiamata “Hippie Trip” che si terrà alla galleria Marlborough Contemporary di New York.

INDEPENDENT PRESS FAIR: Marshmellow

Con il nostro progetto Independent Press Fair, siamo sempre alla ricerca di editoria indipendente, di quella nata dalle menti e dalle mani di appassionati e di professionisti del settore dell’editorial design e della stampa in genere.
Ogni prodotto viene descritto e presentato direttamente da chi lo crea e realizza e noi siamo felici di promuoverlo nel nostro sito indirizzando gli interessati alle modalità di acquisto.
Se il progetto ti piace, segui IPF e vedi di cosa stiamo parlando e, a questo punto, non ti resta che conoscere “Marshmellow“, la nuova rivista ..

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Un newspaper sulla letteratura controcorrente dal vago sapore vintage

Buenaventura, uno studio di grafica che la propria base operativa a Granada, Spagna e nel tempo si è specializzato visual identity e design editoriale lavorando oramai dal lontano 1995. I loro lavori si caratterizzano per una ricercata semplicità e armonia che, – secondo la loro filosofia – deve lasciare una traccia lieve e minimale nel prodotto.
Literata” è un un’idea ed un progetto di design editoriale che ha l’obiettivo di creare una rivista culturale che cerca, scopre, valorizza le idee più interessanti che scova in giro.
Alcun di queste idee riguardano essenzialmente le notizie letterarie di attualità, sia a livello nazionale che internazionale, non tralasciando mai di dare uno sguardo su quelle che sono le altre arti come il cinema e la fotografia ma sempre ricercando quegli scrittori e artisti che rompono gli schemi, provocatoriamente fuori regola, non conformisti, che a me piacciono sempre molto.
La grafica è vintage, caratterizzata dai colori pastello arancio e celeste che si ritrovano in tutte le pagine formato simil tabloid 275 × 395 mm simile al tabloid. Foto colorate che annullano le distanze temporali dei vari scrittori analizzati, reticoli che rimandano all’estetica del ciclostile e una semplicità che – nel mondo grafico attuale – appare molto più una scelta retrò che un’effettiva esigenza stilistica.
A me pace da matti!

Un catalogo di una mostra in Estonia riserva sempre piacevoli sorprese

Tartu è la seconda città, dopo la capitale Tallinn, per importanza dell’Estonia che mi ha colpito sia perché ho scoperto che a Tartu il Comune amministra e gestisce il centro urbano della città mentre le campagne appena fuori dipendono da un altro ente, il rispettivo comune rurale e sia – soprattutto – per il nuovo e futuristico Museo Nazionale Estone che è stato inaugurato nel 2016.

Estonian National Museum

Proprio l’Estonian National Museum ha commissionato alla società Wulcan un lavoro di editorial design molto interessante e che mi sono divertito ad approfondire un pò.
Echo of the Urals“, questo il titolo del progetto, è una exhibition formato da 9 storie animate sulle donne e gli uomini originari del territorio di Tartu – che con filmati, costumi, e oggetti tipici del posto e che soprattutto, sono poi diventati il relativo catalogo che ha l’obiettivo di far conoscere le storie e le relazioni tra le donne e gli uomini nella tradizione estone.
Il compito dei ragazzi di Wulcan era quello di sviluppare un concept book che raccontasse queste storie, che facesse riflettere sul contenuto della mostra ma che potesse anche essere apprezzato come oggetto a se stante.
Penso che l’obiettivo sia stato raggiunto a giudicare dalla cura con cui il progetto è stato realizzato che si evidenzia da tutti i punti di vista del prodotto: formato, lettering, rilegatura, stampa, layout ecc che dimostrano una scelta minimale e una assoluta dedizione alla chiarezza visiva anche a scapito forse di un pò di frizzantezza che poteva essere alleggerita con qualche soluzione cromatica più azzardata.

INDIPENDENT PRESS FAIR: Paolo Celotto presenta il suo affascinante progetto tipografico Neldubbiostampo

Paolo Celotto, grafico libero professionista dal 1998. Alla collaborazione professionale con aziende, affianca l’interesse per l’editoria e le produzioni a stampa tipografica: inizia così l’avventura di una propria stamperia, intitolata neldubbiostampo – tipografia filopoetica e della produzione di libretti a tiratura limitata e di manufatti in letterpress.
Nel 2002 conosce Tipoteca Intaliana Fondazione, e si innamora subito del mondo della stampa tipografica a caratteri mobili e decide di stampare il prezioso calendario Valcucine direttamente in Tipoteca.
Nel 2012 dopo alcuni corsi di composizione tipografica a caratteri mobili in piombo e legno decide di crearsi un laboratorio tipografico nel proprio studio. Grazie ai consigli di Sandro Berra (Tipoteca) e Luca Lattuga (Anonima
Impressori) comincia a recuperare del materiale da tutta Italia.
Nel frattempo realizza due piccoli libretti per le edizioni PulcinoElefante di Alberto Casiraghi e continua la sua collaborazione con Tipoteca stampando menu per ristoranti, libretti di poesie, manifesti, giochi da tavolo e partecipazioni matrimoniali.
Nell’aprile 2015 comincia la propria autoproduzione con il nome neldubbiostampo – tipografia filopoetica di piccoli libretti (pagineotto) a tiratura limitata di 80 copie di brevi poesie, racconti e non solo che hanno come tema
il mondo delle lettere, dei caratteri e delle parole. Tutti i libretti sono composti, stampati e rilegati rigorosamente a mano. L’impaginazione del libretto è sul rapporto della sezione aurea, il formato chiuso è sempre lo stesso, ma la
modalità di apertura cambia in funzione del testo e delle scelte grafiche.
Ad ottobre 2015 è stato invitato a partecipare al Forum Bibliofili Affamati a Gubbio dove in una mostra collegata sono stati esposti i libretti pagineotto insieme ad altri manufatti di “artigiani del libro”.
Nel 2016, in collaborazione con Marco Scarpa, ha creato una serie di manifesti contenenti dei versi di poesie degli autori (Milo De Angelis, Giulio Casale, Alessandra Racca, ecc.) che venivano presentati alla rassegna di poesia
TRAversi di Treviso.
Nel luglio 2017 ha partecipato all’incontro internazionale Letterpress Workers 2017 svoltosi a Milano, dove assieme ad altri tipoimpressori provenienti da tutto il mondo ha lavorato nella produzione di materiale tipografico attorno al tema “Resist”.

Paolo lo trovate sui social: Instagram, Facebook, Vimeo
Per acquistare i suoi lavori: Tictail

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“The Tokyoiter”, il progetto per gli illustratori perdutamente innamorati di Tokyo

“The Tokyoiter” è un atto d’amore di alcuni illustratori e disegnatori alcuni dei dei quali vivono e lavorano a Tokyo e ne vogliono sottolineare la bellezza e l’unicità prendendo ispirazione da un altro dei loro punti di riferimento, la prestigiosissima rivista “The New Yorker” da cui prendono anche spunto per il nome del loro progetto.
Ogni copertina di questa rivista immaginaria viene vissuta come una testimonianza di ciò che rende Tokyo così speciale e trae origine dall’utilizzo che, proprio della cover, viene fatta nel magazine americano e, per dirla tutta, anche dal cugino francese “The Parisianer“.

Il progetto invita gli artisti, gli illustratori che vivono a Tokyo a trovare sempre e diverse copertine ispirandosi alla città che loro considerano la più vibrante del mondo. L’idea nasce dall’illustratore britannico Andrew Joyce, dal direttore artistico francese David Robert e dal’illustratore giapponese e direttore creativo Tatsushi Eto.

 

Tutte le immagini provengono dal sito The Tokyoiter dove potrete vederne altre, altre, altre ancora.

“Twofold” può essere 8 poster oppure un quotidiano oppure un portofolio di font

Mark Caneso è un giovane grafico statunitense, dell’Oregon per la precisione, specializzato nel lettering calligrafico come potete vedere facendo un giro sul suo sito PPRWRK pieno di scritte disegnate in ogni stile, forma e colore.
Twofold” è un giornale vero e proprio, formato newspaper, carta leggera e gialla stampato in edizione limitata che è stato creato per essere una sorta di presentazione di una serie di lettering creati per l’occasione da Mark in occasione della sua partecipazione all’appuntamento annuale di AdobeMax che quest’anno si è svolto a Las Vegas, l’appuntamento annuale organizzato dal colosso Adobe per riunire una folta schiera di creativi in una tre giorni all’insegna di workshop, talk e molto altro.
Il progetto”Twofold” è stato realizzato dal sito PSTL che altro non è che lo shop online di Mark dove, oltre a poter acquistare i font da lui disegnati, potrete comprare”Twofold”, questo gran bel lavoro composto da 8 poster ripiegati, ma attenzione, le scorte stanno esaurendosi!

 

 

 

INDEPENDENT PRESS FAIR: Noemi Bassi ed il libro pop-up che illustra la storia delle macchine fotografiche

Continuiamo il nostro viaggio del fantastico mondo dell’editoria indipendente grazie al nostro progetto Independent Press Fair a cui vi invitiamo a partecipare con i vostri prodotti editoriali indipendenti. Oggi siamo con il libro “CIII” di Noemi Bassi..

Noemi Bassi è una giovane neo laureata in design della comunicazione presso lo IAAD di Torino. Ha conseguito il titolo con un progetto di tesi, realizzato in collaborazione con “La cameretta oscura“, un’associazione che si occupa di laboratori di fotografia per bambini e ragazzi.

Il suo bel progetto consiste in un libro pop-up che illustra alcune delle macchine fotografiche che hanno fatto la storia della fotografia, mostrandone il funzionamento e le particolarità attraverso una serie di movimenti tutti creati rigorosamente all’interno delle pagine di questo volume.

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Raw Wine Fair: l’incontro meraviglia fra il la produzione naturale del vino e la stampa tipografica

Raw Wine Fair è una manifestazione dedicata ai vini, o per meglio dire alla produzione artigianale del vino organizzata ogni anno a Londra e giunta quest’anno alla sua sesta edizione. Il Raw Wine Fair riunisce coltivatori, produttori e consumatori in quella che è una vera e propria festa dedicata ai migliori vini biologici, biodinamici e naturali provenienti da tutto il mondo. Questi vini hanno una caratteristica comune, quella cioè di essere realizzati con il minimo intervento possibile, sia nella coltivazione che nella produzione, ma non sono qui per parlarvi di vino quanto piuttosto per segnalare come è mia abitudine, un prodotto editoriale che mi ha colpito.
Infatti, la casa editrice inglese Counter Press ha collaborato per il suo ultimo lavoro, con l’esperto di brand Dan Rowe per creare una nuova identità alla manifestazione cercando di catturare sia la qualità che le varie specificità di questi vini e dei loro produttori spiegando che il suo lavoro è stato reso più facile dall’affinità che esiste con il mondo tipografico dove il rapporto naturale esiste ugualmente fra il legno e i caratteri che compongono la produzione artigianale di della stampa.
Questa affascinante analogia fra la stampa tipografica e la produzione di vino artigianale ha portato alla creazione di un nuovo apposito logotipo e ad una serie di icone personalizzate che rappresentano i cinque principi fondamentali della produzione del vino artigianale.
La sinergia fra due mondi apparentemente così distanti è sfociata in cataloghi, borse e materiale promozionale per le quattro fiere dedicate che si svolgono in tutto il mondo, nonché una specifica linea di cancelleria e l’immancabile nuovo sito web.
In occasione del Raw Wine di Londra è stato inoltre presentato il libro “The artisan guide 2017” che dimostra la cura ed il successo che il vino e la tipografia possono raggiungere se accostati insieme.

Un gran bel libro illustra il legame profondo fra la Budweiser e l’arte del barbecue

Il grafic designer brasiliano di São Paulo Henrique Folster ha recentemente postato un suo lavoro molto, ma molto interessante sul suo profilo Behance che mi ha colpito e di cui ho deciso subito di parlarvi.
Il lavoro, di cui non vengono fornite poi molte informazioni, se non i classici ringraziamenti a tutti i collaboratori, è un progetto di editorial design a cui hanno lavorato molti creativi fra cui fotografi, redattori, illustratori e chiaramente tipografi.
Uno degli aspetti che colpisce di questo prodotto editoriale è senz’altro la varietà degli stili di cui si compone, anche e soprattutto molto diversi fra loro, pur andando a formare un volume assai bello e tutto sommato coerente.
Stiamo parlando di “Budweiser & Barbecue”, ovvero un libro dedicato sia alla famosa birra americana che a quel tipico strumento ancora più americano, per cuocere la carne che da noi viene anche chiamata grigliata.
Come detto lo stile muta in ogni pagina, andando a toccare sia estetiche più moderne e minimaliste che ripescando design più anni ’90 che rimandano a certi lavori di David Carson.

Non penso che un lavoro di questo tipo sia da descrivere poi tanto nel dettaglio, ma semmai lascarlo guardare da chi riesce a innamorarsi di certa tipografia, di certa grafica, di certo utilizzo dello spazio sul foglio e di certo utilizzo dei colori.

“Me & EU” un libro di cartoline ideate dai designer inglesi per dire no alla Brexit

Me & UE” è un progetto che prevede la raccolta di cartoline scritte e realmente inviate da un  folto gruppo di creativi inglesi per testimoniare il loro essere europei e nettamente contrari alla Brexit.
il 23 Dicembre 2016 infatti, con il voto del 51,9 % della popolazione inglese decide di staccarsi formalmente dalla UE e queste cartoline sono la testimonianza di un’opinione contraria, creativa e battagliera.
Le cartoline, racchiuse in un grosso volume chiaramente dipinto di blu con inserti gialli, sono estremamente differenti tra loro, si va dal sarcasmo acido, alla classica cartolina vintage, fino a quelle più dal design ricercato e sofisticato.
Il progetto della raccolta e del libro nasce da un’idea di Nathan Smith e Sam T Smith due designer di Londra che, malgrado lo stesso cognome, non sono parenti. Gregory Bonner Haledi Londra.

“Paul Smith’s Cycling Scrapbook” ovvero la definitiva unione fra stile e bicicletta

Da oramai molto tempo mi chiedo come mai ci sia una così forte commistione fra due mondi quali quello del ciclismo e dei magazine cosiddetti indipendenti. Non è infatti una novità che vi siano molte esperience editoriai nate e sviluppatesi proprio a partire dall’amore verso le due ruote. Basti pensare a splendidi prodotti cartacei quali Mondial by Rapha di cui parlo ogni volta trovo una scusa per farlo, ma anche Rouleur in UK, Peloton in Spagna per finire all’italianissimo Polvere. Insomma esiste un fenomeno editoriale che, ancor più che con altri sport più numerosi in termini di pubblico e visibilità mediatica, riguarda il ciclismo e, più in generale, lo storytelling dell’epica a due ruote.
Bello sarebbe addentrarci sul perché di questo matrimonio che crea prodotti cartacei di tutto rispetto che sono godibilissimi anche da un pubblico che non rientra forzatamente nel circolo dei patiti della bicicletta, ma forse, ancor più interessante è scoprire che anche il mondo della moda e più specificatamente dell’abbigliamento ama il ciclismo e certi aspetti retrç del suo essere forse il più romantico degli sport.
A quest’ultimo aspetto ho già dedicato un post dove si parlava della collezione di cappelli prodotta da Jack Saunders, art director proprio del già citato Mondial, tutta ispirata al mondo delle grandi corse a tappe e delle divise di un tempo che fu.
Oggi invece scopriamo un altro protagonista assoluto del mondo fashion che strizza un occhio, forse qualcosa di più, alle due ruote editando un massiccio e voluminoso libro interamente dedicato a celebrare visivamente e graficamente il ciclismo attraverso le passioni ed i cimeli personali proprio di Paul Smith, tra cui oltre 400 splendide immagini e illustrazioni.
Questa vera e propria opera omnia di materiali appartenenti allo stilista illustra i miti di Smith attraverso immagini relative alle gare ed ai luoghi che anno fatto la storia del del ciclismo. Si passa dalla sua infinita collezione di vecchie divise di lana alla sua biblioteca di libri e brochure degli anni Cinquanta e Sessanta fino alle sue collaborazioni con i più prestigiosi costruttori di biciclette quali Mercian e Pinarello.
Come recita l’introduzione, si tratta di un viaggio personale e visivo che collega i due amori di Paul Smith verso il ciclismo e verso il design.

Il libro è acquistabile sul sito di Paul Smith.

“The Typographic Style Handbook”, una guida per gli aspiranti tipografi

The Typographic Style Handbook” è un piccolo manuale per  designer, grafici e appassionati di tipografia realizzato in un simpatico e pratico formato agenda.
Molto utile per chiunque lavora con i libri di testo, le riviste, i report aziendali, siti web o qualsiasi altro materiale e intende approfondire come si realizza una composizione tipografica pulita e coerente.
Il manuale è suddiviso in tre sezioni:
– Una prima parte generale dove vengono illustrate le regole di base per l’impostazione e la disposizione del testo del testo.
– Una seconda in cui si illustrano i vari ed infiniti stili tipografici utilizzati nell’industria editoriale per la creazione di libri e riviste.
– una terza ed ultima in cui vengono approfonditi alcuni stili tipografici con particolare attenzione al mondo della reportistica aziendale.

Ogni stile o  regola tipografica viene presentata mediante la presentazione di numerosi esempi e diagrammi che rendo la fruizione più agevole anche per i non addetti ai lavori.
Interessante è anche la parte dedicata alle sperimentazioni tipografiche, agli stili cosiddetti alternativi che hanno il merito di dimostrare che anche nella tipografia, come del resto in tutte le arti, non si finisce mai di inventare, immaginare, scoprire.
Al termine del libretto viene riportato un glossario ed alcune appendici per aiutare il lettore nella comprensione di alcuni passaggi eventualmente ostici.
Insomma “The Typographic Style Handbook” è un manuale pubblicato da MacLehose Press ottimo per tutti i livelli di lettore. 

INDEPENDENT PRESS FAIR: Lorenzo Morandi racconta il progetto YourStory

Independent Press Fair è lo spazio aperto a tutti coloro i quali vogliano promuovere i propri lavori editoriali autoprodotti ed oggi ospita il progetto YourStory di Lorenzo Morandi.
Se anche tu intendi dare visibilità e far conoscere il tuo lavoro editoriale, leggi il breve Regolamento IPF ed il gioco è fatto!

Ma arriviamo dunque alla proposta di di Lorenzo Morandi, giovane fotrafo, designer e project manager che vive e lavora ad Alessandria. Autore e art director di YourStory, lo descrive come uno studio specializzato nella realizzazione di storie fotografiche e nella creazione di contenuti visuali per pubblicazioni e campagne pubblicitarie.

“YourStory – Creativity” è un volume che raccoglie e racconta alcune storie di designer e artisti che hanno osato tracciare vie differenti, cambiando prospettiva e guardando in direzioni nuove, affinché il loro lavoro possa stimolare l’energia creativa e diventare una fonte di ispirazione anche per altri.

Ne sono validi esempi la progettazione algoritmica di Arturo Tedeschi, il lavoro artigiano sulle bici e sui vecchi Ciao Piaggio di Vito Meccanica e le illustrazioni di Chiara Fedele e Riccardo Guasco.
Il volume è pensato come una rivista che lega storie diverse con un tema comune, diverso per ogni numero.
Ancora non disponibile alla vendita, lo sarà a breve sul sito ufficiale YourStory.

INDEPENDENT PRESS FAIR: Andrea Lippi con il suo “Lights of Japan”

Independent Press Fair continua a promuovere i vostri lavori editoriali indipendenti e attende anche il tuo (come da Regolamento) oggi lo fa con un personaggio che sono molto felice di avere qua.
Andrea Lippi infatti, oltre che essere un creativo a tutto tondo, è un fotografo dall’occhio pulito e delicato e soprattutto è un amico e quindi, proporre all’interno del nostro Independent Press Fair il suo lavoro è proprio una bella sensazione.

Andrea nasce in Toscana e si avvicina alla fotografia grazie alla macchina del padre per poi occuparsene con continuità dall’età di 23 anni, realizzando una camera oscura e iniziando a stampare in proprio le sue foto. Nel 2014 è la volta del suo primo viaggio in Asia, che lo porta a visitare la Cina.
L’ anno successivo, affascinato dall’Oriente, visita per la prima volta il Giappone e se ne innamora. Inizia un periodo di studio sulla cultura giapponese che lo porta ad affrontare un secondo viaggio in Giappone nel 2016. Dopo questa nuova esperienza e in seguito alla conoscenza con gli storici dell’arte Noriyuki Kai e Midori Sewake, nasce “Lights of Japan” che raccoglie alcuni dei più interessanti scatti realizzati nei due viaggi in Giappone.

La pubblicazione racchiude circa settanta fotografie realizzate in Giappone dall’autore, in due distinti viaggi, nelle zone di Tokyo, Kyoto e Hiroshima. Oltre alle immagini, tutte in bianco e nero, che raffigurano paesaggi, scene di vita quotidiana e luoghi di culto, la pubblicazione è arricchita da alcuni brevi racconti dell’autore, uno dei quali è una riflessione sul concetto di “vuoto”, elemento centrale nella cultura giapponese e della prefazione del Prof. Noriyuki Kai, ordinario di storia dell’arte presso Ibaraki University e Midori Sewake, storica dell’arte.

“Football Crest Index”, ovvero la storia grafica del calcio europeo in 4 grandi volumi

Football Crest Index è veramente un bel progetto, di quelli che ti viene voglia di domandarti il perché nessuno ci aveva pensato prima. E’ un progetto davvero indipendente, pensato per archiviare e preservare la ricca storia che si nasconde dietro le divise dei club di calcio di tutto il mondo.
Giusto in tempo per l’inizio della stagione di Premier League 2017/2018, il campionato inglese e forse il più spettacolare campionato di calcio al mondo, è uscita anche la prima pubblicazione cartacea che arriva dopo il grande successo ottenuto di Kickstarter.

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Per rappresentare ogni club, sono stati chiamati 49 designer, ciascuno tifoso di una squadra che ha giocato in Premier League dal 1992 ad oggi, per produrre opere d’arte originali ed esclusive che andranno a far parte della storia dei vari club.
I lavori di questi grafici e designer saranno raccolti in un libro insieme alla storia dei loghi ed alla spiegazione della loro storia e della loro evoluzione.
L’idea di James Kirkup però è molto più audace e seducente in quanto non vuole fermarsi solo al campionato inglese, ma pubblicare altri tre volumi dedicati alla storia dei loghi delle squadre della Liga spagnola, della Bundesliga tedesca e della Serie A italiana.
Il progetto, come detto, penso andrà molto avanti e oltre che importante da un punto di vista storico, sociale e sportivo, immagino che riuscirà anche a raggiungere tutto il mondo dei grafici e dei creativi in generale.
Complimenti a James Kirkup.

L’arte del Logo Design nella carriera di Cruz Novillo

“Cruz Novillo: Logos” è un bel librone appena edito dalla garanzia Counter-Print per celebrare la leggenda spagnola del design con una guida completa al suo mondo da sempre incentrato sul logo design.

Anche se questo libro si concentra sui loghi, Cruz Novillo ha ottenuto infiniti riconoscimenti anche in veste di scultore, di designer, di editore e di illustratore dimostrando una versatilità fuori dal comune.
Una carriera iniziata nel settore del design industriale e nell’editoria, con la creazione di una delle prime riviste spagnole specializzate nel settore design, “Temas de Diseño”.
Il suo lavoro è onnipresente nel tessuto della cultura visiva spagnola in quanto, negli ultimi 50 anni ha prodotto lavori di design per la maggior parte dei servizi pubblici come l’ufficio postale (Correos), la polizia nazionale (Cuerpo Nacional de Policia), il sistema ferroviario (Renfe) e moltissimi altri.

CORREOS – Poste Spagnole
Cuerpo Nacional de Policia – Polizia
Forse uno dei lavori più famosi ed ancora oggi utilizzato è il logo del Partito Socialista Spagnolo che, con quella mano che impugna la rosa rossa, è ancora oggi attualissimo.
Il pugno e la rosa sono due elementi imprescindibili nella simbologia della socialdemocrazia europea. La sua storia cominciò nel 1977 quando, proprio Cruz Novillo disegnò il simbolo. Il pugno e la rosa sono ispirati al simbolo dei socialisti francesi, ma se la mano che tiene la rosa socialista francese è la destra, nel caso spagnolo è la sinistra.

 

Logo Partito Socialista Francesce e Logo Partito Socialista Spagnolo

Uno degli aspetti principali del lavoro di Cruz Novillo è sia la qualità che la quantità della sua produzione che oramai vanta oltre 50 anni di carriera. La sua è un’estetica senza tempo che ha avuto ed ha tuttora un’enorme influenza sui designer contemporanei spagnoli e non. Il suo uso di forme geometriche semplici e ben marcate, uno stile sempre permeato di fantasia e divertimento, sono solo alcuni dei tratti distintivi che Novillo ha contribuito a diffondere.

Il libro “Cruz Novillo: Logos” è disponibile per l’acquisto nel sito Counter-Print.

 

La punta di una matita fotografata come una rock star

“The Secret Life of the Pencil” di Alex Hammond e Mike Tinney è un bel librone hardcover pubblicato da Laurence King Publishing, di quelli che stanno bene vicino ad un camino e che potresti sfogliare durante una uggiosa giornata invernale.

Uscito nel 2017, questa vita segreta delle matite, si prende il ruolo di testimonianza, forse di rivendicazione, di una protagonista che fatica a restare al passo con i tempi ma che ancora oggi ha un ruolo importantissimo nel mondo dei creativi di tutto il mondo: la matita.
Oggi che tablet, tavolette, programmi, smartphone e app dominano in tutti gli uffici e studi di disegnatori e grafici, la matita è diventata un simbolo un pò retrò e quindi amabilmente sofisticato, della libertà creativa. In altre parole, il lavoro che fai sul computer è quello che fai per il lavoro, per pagare l’affitto e andare avanti, mentre ciò che crei con la tua matita è quello che fai per te, per il tuo divertimento.
Secondo gli autori del libro infatti, oltre a stimolare le più importanti menti creative del mondo, la matita è diventata il feticcio ultimo della creatività moderna.

In questo libro viene presentata una collezione unica di fotografie ravvicinate di matite appartenenti ad alcuni dei più importanti artisti, designer, scrittori, architetti e musicisti del mondo. Ciò che rende queste immagini interessanti è il fatto che in qualche modo riflettono le personalità creative dei propri proprietari: trovate quella di Philippe Starck elegante in nero e rosso, quella William Boyd invecchiata e tutta arrugginita, quella di Anish Kapoor scolpita come una statua e quella di Paul Smith classica con gioielli incastonati che ha ricevuto come regalo da Jonathan Ive, il desinger di Apple.
Proprio Paul Smith, innamoratosi di questo progetto, ne ha fatto una mostra ed una serie di stampe della matita di Anish Kapoor in edizione limitata che potete acquistare ai consueti prezzi altisonanti sul suo sito.

Tutte le matite sono accompagnate da materiali come schizzi, citazioni e brevi interviste dei rispettivi proprietari dando un ulteriore valore a questo bel volume.

 

 

INDEPENDENT PRESS FAIR: StenoSpiegel con il suo “Wood life”

Il nostro progetto di promozione e valorizzazione dell’editoria indipendente INDEPENDENT PRESS FAIR continua e si allarga sempre più. Se vuoi maggiori info, dai una lettura alla bozza i Regolamento che stiamo preparando e inviaci anche tu il tuo lavoro da promuovere!

“Wood life” è il primo fumetto autoprodotto da StenoSpiegel (Instagram e Facebook), autore ai suoi esordi nel mondo del fumetto.
Gli piace disegnare in libertà tutte le storie che gli passano per la mente.
Segui le avventure degli animali del bosco, un giovane coniglio alla ricerca del padre scomparso in compagnia di vari compagni. Incontra gli animali del bosco per districare il mistero, gli amori travagliati degli animali della foresta, la lotta per la sopravvivenza, le crisi esistenziali degli scoiattoli, il precario equilibrio del loro rapporto con gli umani fino ai colpi di scena finali. Un viaggio che porterà alla scoperta dei segreti del bosco.
Gli animali sono tutti coccolosi ma chi può sapere cosa nascondono? Nessun animale è stato maltrattato nella realizzazione di questo fumetto.

Acquistabile QUI!

Una zine in risograph dedicata, con molta fantasia, alla “Begónia”

Gonçalo Duarte, un giovane artista grafico di Lisbona, ha prodotto questo bel libretto intitolato “Begónia” che, come ci dice la nostra Wikipedia, è un genere di piante di origine tropicale che comprende circa 1.600 specie. Sono generalmente piante perenni, spesso coltivate in vaso o in giardino come piante ornamentali per la bellezza dei fiori e delle foglie.
Il libretto è un mix apparentemente confusionario di opere astratte e figurative riferibili alla pianta, stampato in risograph in cui al centro di tutto ci sono i colori, il loro accostamento e la loro vivacità.

Come riporta il titolo, il soggetto è Pianta natale nelle regioni calde, coltivata per il suo fogliame decorativo e per i suoi fiori dai colori vivaci che vanno dal rosa al rosso profondo.

Il libretto è pubblicato nella sua seconda edizione (la prima aveva una cover ben più vistosa nel suo giallo canarino) in 50 copie da Pubblicato da Stolen Books, editore portoghese che oramai da anni lavora con nomi più o meno famosi realizzando prodotti editoriali considerati sperimentali in quanto utilizzano indistintamente arte visiva, film, video, fotografia, disegno, pubblicità, musica e scrittura.

Tutti i prodotti di Stolen Books sono venduti in edizione limitata, numerati e firmati dagli autori. “Begónia” lo potete acquistare, fino ad esaurimento copie, QUI.

INDEPENDENT PRESS FAIR: Un libro ed una scatola degli attrezzi per conoscere il Re Pomodoro

Il nostro progetto Independent Press Fair riguardante i prodotti editoriali independenti e autoprodotti inizia a muoversi con le proprie gambe ed a camminare spedito.
Per chi volesse farne parte, basta dare una lettura al Regolamento.
Oggi ecco Carlotta Antichi ed il progetto su “Sua maestà pomodoro” che nasce dalla sua grande passione per i bambini e per il loro rapporto con la natura che li circonda.
L’idea è quella di creare un gadget per l’attività didattica dell’Orto giardino, un laboratorio dove i bambini hanno modo di toccare e giocare con la natura attraverso la semina, gli  ortaggi etc.
Sua maestà pomodoro è un libro interattivo per bambini dai 4 ai 6 anni. La storia è quella di un Pomodoro considerato da sempre il re dell’orto ed attraverso un breve racconto si parla delle sue proprietà benefiche, della sua crescita dalla semina al raccolto, e alcune curiosità su come poterlo coltivare. Il libro è interamente illustrato in digitale con  aggiunte pop-up, alette e pagine a portafoglio.
Insieme al libro è allegato un Kit da Giardinaggio composto da paletta, grembiulino, guantini, adesivi e targhette. Al suo interno ci sono semi di pomodori, di insalata e di carote con cui i bambini possono iniziare il gioco della semina. Le etichette dei semi sono state disegnate dagli alunni della scuola dell’infanzia di Montespertoli (FI).

“Free the Nipple” ovvero “Tette libere”

Negli ultimi anni, l’artista francese Tiane Doan Na Champassak è diventato relativamente famoso per la grandiosità della sua collezione di riviste erotiche – nello specifico di quelle tailandesi – e per aver su queste ideato e realizzato un compendio di pubblicazioni che si riferiscono agli anni ’60 e ’70.
La parte però interessante del lavoro di Champassak è che, ad un certo punto, la sua attenzione si è soffermata sugli aspetti relativi alla censura di queste nudità, su cosa, come, quando e perché, questi corpi aggraziati venivano coperti e soprattutto sugli aspetti artistici con cui questa censura veniva posta in essere.

La sua attività di ricerca si appoggia anche alla campagna di sensibilizzazione contro le censure intitolata “Free the Nipple”  iniziata nel 2013 da l’attivista e filmmaker Lina Esco che lotta anche contro le strane censure del web che perpetuano e impongono tabù legati ai capezzoli femminili. Facebook per esempio proibisce graphic content che ritraggono immagini dei capezzoli. Il regolamento di Instagram chiede addirittura ai suoi utenti di “tenersi i vestiti addosso” ma, come sappiamo bene, questa regola sembra essere applicata solo ai capezzoli.

Nei sei volumi quindi vengono mostrati numerosissimi esempi di collage ripresi dalla sua vastissima collezione che conta più di 4000 libri. Questi infiniti esempi di censura vengono presentati in maniera ordinata ed elegante.

Ritagliati dall’immagine originale, mostrano tutto l’inventario con cui si può nascondere un capezzolo: dalle stelline alle note musicali, dalla classica biancheria intima fino ai fiori posizionati perfettamente sul luogo peccaminoso fino ad arrivare a casi ancora più creativi e fantasiosi.

Tutti e sei i volumi sono acquistabili presso la casa editrice RVB Books un editore indipendente dedicato alla progettazione e stampa di libri d’arte molto ricercati e interessanti che, all’interno della sua galleria d’arte, svolge anche un’interessante attività di promozione delle nuove e più originali pratiche editoriali.

Un bel libro celebra le leggendarie gesta del Land Rover Defender

Foxtrot Papa è uno studio di grafica e comunicazione inglese fondato oramai 20 anni fa da Matthew Franey che si è ritagliato un certo spazio nell’ambito della brand comunication di grandi marchi.
Lo studio crea ogni tipo di contenuto, video, audio, a stampa e web per i marchi che hanno bisogno di creare una storia i se, di raccontare il proprio marchio e per tutte quelle agenzie che hanno bisogno di promuovere e divulgare il proprio lavoro.

Uno di questi brand che si è rivolto a Foxtrot Papa è Land Rover che, dopo sette decenni di successi, ha deciso di celebrare con un bel volume cartaceo uno dei suoi modelli storici oramai fuori produzione, il Defender.

Il Defender, considerato uno dei modelli di 4 × 4 più importanti della storia delle quattro ruote, tesoro nazionale inglese e vera e propria icona del mondo off-road, con i suoi quasi 70 anni di immagini, storie e personaggi, era un soggetto talmente interessante e ricco di stimoli che i ragazzi di Foxtrot Papa hanno immediatamente accettato e, visto il risultato, non si può certo dire che non abbiano azzeccato la mossa.

L’obiettivo del libro era chiaro, aumentare la conoscenza del marchio Defender catturando l’essenza originale del veicolo e, per estensione, dell’intero brand Land Rover. Un volume informativo ed emozionante. Attraente sia per i tradizionali amanti del Defender sia per chi lo scopre per la prima volta.

La scelta di Foxtrot Papa è stata allora quella di concentrarsi sulle persone e il ruolo che il Defender ha avuto nella loro vita ricercando un design editoriale ricercato ma allo stesso tempo di forte impatto grafico.
Il titolo del libro, ICON richiama esattamente quello che il Defender è.​, un’icona del settore automobilistico del Novecent.

Il libro, di 204 belle pagine contiene una prefazione scritta da Richard Hammond, un conduttore televisivo inglese famoso per le sue spericolate avventure in fuori strada. Bellissimo l’apparato grafico con 80 fotografie originali e una serie di incredibili storie di persone e avventure